Amazon: el éxito que revolucionó el e-commerce

Amazon es una compañía estadounidense de comercio electrónico con sede en Seattle, Estado de Washington. Fue una de las primeras grandes compañías en vender bienes a través de Internet. Comenzó como una librería online ofreciendo la más amplia y variada oferta hasta ese entonces. Es hasta el día de hoy, que además de haber crecido y haber ampliado su negocio a otros rubros,  continúa liderando el comercio de libros a nivel global con gran éxito.

Jeff Bezos, su creador, afirma que: “El concepto de negocio, éxito y rasgo distintivo de Amazon es que nuestro catálogo de ofertas de libros es cuasi – infinito, reproducible, barato y portátil para el mundo entero, por la vía de Internet.”   Amazon revolucionó el ecommerce desde un primer momento, conservando siempre una obsesión constante por la satisfacción del cliente durante y luego del proceso de compra que lo llevó a fidelizar a sus clientes y a ir creciendo cada vez más rápido.

En la actualidad, Amazon se enfrenta diferentes desafíos, entre ellos, el lanzamiento de un sistema de streaming que permite reproducir series, películas y música y que será la competencia directa de Netflix. Por otro lado, continuar expandiendo su servicio de Amazon Prime Air, mediante el cual las compras se distribuirá mediante un sistema de drones en menos de media hora. Además, Amazon ya ofrece a los autores independientes la oportunidad de auto-publicar sus obras a través de Kindle Direct Publishing. Es una manera de impulsar a los pequeños autores que se están iniciando en la industria.   Links consultados: http://www.webometrics.info/es http://www.amazon.com/ http://www.antonioalcocer.com/amazon-analisis-de-su-modelo-de-negocio-y-ventaja-competitiva/ http://www.lanacion.com.ar/1409950-amazon

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Caso: Creative Commons

Creative Commons es una organización sin ánimo de lucro, fundada por Lawrence Lessing, Hal Abelson y Eric Eldred en 200. Fue fundada en California y ahora está presente en 80 países. Su función es ofrecer modelos de licencias libres que permiten a los autores depositar su obra de forma libre en Internet, limitando los usos que de dichas obras se pueden hacer. Nacen para compartir y reutilizar las obras de creación bajo ciertas condiciones y el autor autoriza el uso de su obra, pero la obra continúa estando protegida. No tiene carácter de exclusividad, por tanto el autor puede otorgar otras licencias sobre la misma obra con condiciones diferentes, pero las subsiguiente licencias sólo se podrán otorgar en régimen de no exclusividad. Los seis tipos de licencias que ofrece Creative Commons son: 1) reconocimiento; 2) reconocimiento – sin obra derivada;3) reconocimiento – sin obra derivada – no comercial; 4) reconocimiento – no comercial; 5) reconocimiento – no comercial – compartir igual; 6) reconocimiento – compartir igual.

Las licencias Creative Commons proponen “algunos derechos reservados”, mientras que el copyright quiere decir “todos los derechos reservados”. Estas licencias utilizan un modelo de ingreso, ya que se trata de conceder licencias, en este caso, más amplias o permisivas que aquellas de los derechos reservados. Otorga licencias y es intermediario entre los productores de contenidos (mediando las formas en que estos se compartirán con los consumidores) y los que utilizan esos contenidos. Sin embargo, es una organización sin fines de lucro. Se sustenta a través de la inversión de los partidarios de este tipo de licencias, empresas y compañías que fomentan el libre uso de contenidos. El apoyo corporativo es brindado por sustentadores como The Beal Fund of Triangle Community Foundation, en representación de Lulu.com, Google, Mozilla Foundation y Red Hat. Además, Creative Commons cuenta con las inversiones de Best Buy, Digital Garage, Duke University, eBay, Microsoft Corporation, Mountain Equipment Co-op y Nike.

Las claves del éxito de Creative Commons se deben a razones políticas y a razones prácticas. Por un lado, los motivos políticos se basan en las “guerras de los derechos de autor”. Esto consiste en que algunas personas quieren encontrar vías alternativas para regular la creatividad, y no creen que una aplicación estricta y rígida en la era digital tenga sentido, en especial en lo tocante a la educación, la investigación científica y las obras de aficionados. Por otro lado, las razones prácticas se ven en las universidades, donde los estudiantes necesitan aprender a utilizar medios digitales para ver vídeos, registrarlos o mezclar música tanto como a escribir.

Links consultados:
http://www.creativecommons.org.ar/
http://es.wikipedia.org/wiki/Creative_Commons
http://www.creativecommons.org.ar/article/entrevista-a-lawrence-lessig/

Vorterix: un éxito producto de la audacia y la experiencia

No es ni radio ni TV, es algo más. Así define el periodista Mario Pergolini a su último proyecto, Vorterix Rock, que fue fundado en el 2012 y cuenta en este momento con una audiencia de 16.000 personas. Es el primer proyecto multiplataforma de Argentina e innova completamente el modelo de radiodifusión.

Hay dos elementos interdependientes que diferencian a Vorterix de otros medios. Además de transmitirse a través de una emisora FM, se transmite principalmente vía Internet y se lo puede consumir desde varios soportes, ya sea la computadora, un celular o una tablet. A su vez, la programación no consta solamente una emisión de radio, sino que además de oír el programa se puede ver qué pasa minuto a minuto en los estudios.

Esto resulta sumamente beneficioso en varios sentidos. Por un lado, el hecho de no estar limitados al alcance de la emisora FM aumenta en gran medida la audiencia y la llegada del medio. Así mismo, la experiencia que provee Vorterix tanto desde la programación en sí misma como desde lo técnico es mucho más rica que la brindad por las radios tradicionales. Esto les permite diferenciarse del resto de las radios y quedar sin competencia directa, lo que los favorece a la hora de generar una audiencia fiel.

Vorterix Rock es un modelo de distribución y de contenidos único en el país. La lectura que Pergolini hizo del mercado de medios en Argentina fue muy acertada e innovadora y fue lo que lo condujo al éxito. En el archivo adjunto, se desarrolla en mayor detalle el funcionamiento y el modelo de negocio de este multimedio, las claves a su éxito y los desafíos y oportunidades que se les presentan.

TP Vorterix

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Shows en vivo: un mundo aparte

Bonadeo, Olivera, Román

Juan Pablo Mendoza es uno de los más reconocidos productores técnicos y generales de la industria de los shows en vivo. Fundador y dueño de la empresa “Doble Cinco”, se encarga de producir todos los shows en vivo que se llevan a cabo en el Luna Park y de administrar técnicamente Tecnópolis. Trabaja constantemente en conjunto con productoras del tamaño y la relevancia de Fénix.

Se proclama a sí mismo como un productor “horizontal” que trabaja mano a mano con sus técnicos de audio, vídeo  iluminación, etcétera.  Describe, además, a la industria de los recitales y shows en vivo como una que carece de formación teórica y conocimiento “de manual”. Afirma que la base del éxito en su rubro es la experiencia y la formación en la práctica a través de los años.

La siguiente entrevista tuvo como objetivo principal conocer más de cerca el mundo de los recitales y los shows en vivo. Es un área que entra dentro de la industria de la música, pero de la cual no hay tanta información teórica disponible, sino que más bien, como entendimos durante el encuentro, es algo que se aprende con la práctica. Nos concentramos en averiguar principalmente el proceso de producción de un recital, desde el inicio, el concepto, la idea, hasta el final, la transformación en algo tangible.

Luego de un recorrido por uno de los teatros más conocidos del país, el Luna Park, pudimos ver más de cerca el proceso de producción técnica de un show de la magnitud como el que presentaría horas después el artista Miguel Mateos. Comprendimos que detrás de tanta organización y la vasta cantidad de procesos que deben desarrollar los productores, se esconde la simplicidad en lo que se basa todo: “bajar a tierra el concepto del artista”.

 ¿Cómo comienza el proceso de producción de un recital?

El proceso de producción tiene distintas facetas o aristas. Vos tenés dos lugares básicos desde donde trabajar: el primero es recibir al artista, internacional, nacional o lo que fuera, que ya tiene su show armado.  Hay que recibir el “rider” técnico donde ya están las indicaciones del escenario, tarima, iluminación, camarines, pasajes, hoteles viáticos y ocuparse de ese proceso y conducir la producción. El segundo espacio es en el que se trabaja con el artista directamente. Eso lo hice mucho tiempo y es lo que más me gustó porque es más “creativa” si querés decirlo así. Es lo que sería el manager de producción y se trabaja con un único artista. Entonces el artista graba un disco con un concepto. Ese concepto después se transforma en un show.

¿Vos te ocupas de transformar el concepto en el show?

Claro, pero yo soy de los productores que son más horizontales para trabajar. Hay distintas formas de trabajar. Yo me apoyo mucho y trabajamos en conjunto con mi iluminador, obviamente en mi gente de video, mi gente de audio y sobre todo en lo que dice el artista que es el de arriba y el que quiere el recital. Nuestro trabajo es más decodificar lo que quiere el artista, llevarlo a cabo, que sea viable (porque a veces lo que piden es inviable). Igualmente la viabilidad siempre tiene que ver con una cuestión de negocios, una ecuación básica determinada por el dinero, porque hacerse se puede hacer todo. Ahora, si uno no tiene la plata para hacerlo ni los medios no se puede.

Concretamente, ¿cúales vendrían a ser las etapas el de producción del show?

Primero me llega lo que quiere el artista, el “rider”, después lo bajamos a tierra. Las cosas (tarimas, pantallas, luces, etc.) se montan generalmente dos días antes, el día anterior al show hacemos las pruebas y llega el día del show y listo.

¿Hay algún momento en el que te planteás la decisión de hacerlo o no?

Sí, tomas de decisiones tenés continuas. Y más cuando vas de gira. Porque por ejemplo, un artista puede pedir veinte Coca Colas, veinte medialunas saladas y veinte sándwiches de jamón y queso en Perú o en Ecuador (para que te hagas una idea, vendrían a ser luces y cosas más de producción técnica). Y yo no tengo Coca Cola, tengo Pepsi, no tengo de jamón y queso, tengo de crudo y queso, y vos como artista tenés que ver si eso que te ofrecemos es viable para hacer tu show. Siempre tratamos de hacerlo viable, aunque lo económico siempre está de por medio. Si esos elementos necesarios para hacer el show no están en el lugar de origen, en el país donde se está, hay que ir a buscarlos a otro lado y eso implica más costos de traslado. Entonces lo que tratamos personalmente como productores es que convivan y congenien todas las partes, que sea un buen negocio para todos.

¿Y el presupuesto de dónde viene? De la productora ejecutiva que los contrata, de los artistas, de los auspiciantes…

Viene de la productora ejecutiva, por ejemplo Fénix  Si el artista sale cien mil dólares, más llevar a cabo el “rider” técnico, más seguridad, es lo mismo. A nosotros la productora nos da el dinero que necesitamos para llevar a cabo todo.

¿Qué viene escrito específicamente en el “rider”?

Por ejemplo el que hice con Diego Torres en el “unplugged”, tenía 40 páginas donde dice todo lo que se necesita para el show. Ahí está claramente lo que se necesita de la productora técnica. Desde los matafuegos, los lugares que se necesitan, las medidas de escenario, las alturas, el peso que tienen que soportar las estructuras, transporte, hasta hoteles y pasajes de avión.

¿Están preparados para cualquier inconveniente? Por ejemplo problemas climáticos o con el artista…

No, si al artista le agarra un raye a mí no me importa. Y con el clima depende; depende si es un show “outdoor” o “indoor”. Igual lo más normal es que no se suspenda el show, es difícil, tiene que venirse abajo el mundo para eso. Pero si por ejemplo se rompen ciertas luces, no las usamos y listo, nada se suspende. El show lo hacemos, porque siempre también está la variable económica; cambiarlo de día significa otro día de trabajo de ochenta personas, etcétera.

¿Han hecho festivales o fiestas?

La Creamfields la hicimos nosotros.

¡Ah! ¿Hay diferencia entonces con que sea un único artista a que sean varios como en festivales musicales como la Creamfields?

Lo que cambia en este caso. Son los recursos humanos, la cantidad de gente que movilizamos y al artista que transportamos con la plataforma que necesita.

Pero por ejemplo para fiestas grandes como la Creamfields cambia porque son variedad de artistas ¿no te lleva más tiempo?

Sí. Pero no por los artistas, es más tiempo de montaje, porque tenes distintos escenarios

¿Cuáles fueron este año las producciones más importantes que hicieron?

Es que hicimos demasiados y de distintos tipos. Porque nosotros no hacemos únicamente música digamos. Es todo lo que sea con video, sonido y luces. Por ejemplo el bicentenario lo hicimos nosotros. Y todos sean distintos.

Cuando trabajabas con Diego Torres estabas del otro lado, vos eras el que hablaba con los encargados de la producción técnica, ¿no?

Sí, pero bueno, la producción tiene distintos puntos de vista, distintos focos. A mí me gustaba mucho más ese trabajo, porque ahí estás creando un show. El concepto de show, cómo es que hacemos el show mismo.

¿Cómo fue tu experiencia dese el otro lado con Diego Torres, siendo vos el que pensaba la idea y demás?

Es en conjunto en realidad, como te decía antes. Con los demás encargados y sobre todo con el artista. Fue algo que me gustó.

¿Cómo es el proceso? ¿Diego Torres te decía: “tengo esta idea, este concepto, ¿qué podemos hacer?” y empezaban a trabajar?

Sí, se va armando. Él me va diciendo lo que quiere tener, por ejemplo, “quiero una pantalla de led y me gustaría tener imágenes visuales que vayan con eso”. Después uno empieza a hablar con los encargados de luces, de video, para ver como combinamos para armar lo que el artista pide.

¿Vos armabas lo que ustedes llaman el “rider”?

Yo centralizo la información con la producción local, por ejemplo el que te contrata en Perú, el que compra el show.  Le envío un a un director técnico, la gente, el artista, los músicos, todo lo que necesitamos para armar el show. Lo más importante es  el proceso de preproducción, siempre es así. Esto se debe a que cuando uno pre produce bien, hay menos posibilidades de error.

“La gente le da más valor al vivo que a lo grabado”, afirma Ricardo Valdéz

Entrevistadores: Simón Avellaneda, Belén Deluca y Victoria Casado

Ricardo Valdéz es Gerente de Contenidos Audiovisuales y ha organizado eventos como el Pepsi Music y el Quilmes Rock en la Argentina. También, ha colaborado en la producción de algunos recitales en el exterior. Su punto de vista sobre los shows en vivo es indispensable para comprender mejor cómo es hoy el negocio de la música.

Luego del incidente de Cromañón, las cosas cambiaron ya que la seguridad se reforzó y los lugares clandestinos cerraron. Además, se prohibió en la Argentina la venta de alcohol en los shows. Esto modificó el negocio de los recitales pero aún así permanecieron los estadios y los lugares más grandes para hacer estos espectáculos en vivo.

Por lo general se definen con tiempo los shows en vivo, ya las giras se organizan varios meses antes. Algunos artistas ya se sabe que salen de gira pero no qué productora lo va a traer. Por un lado, los artistas extranjeros vienen a la Argentina cuando tienen mucho éxito en el país. Pero por otro lado, conseguir auspiciantes “es un tema” ya que ahora hay menos sponsors que antes y estos han dejado de invertir luego de la crisis del 2009. Es por tal motivo que las entradas son tan caras.

“La gente no discute la entrada de un show en vivo, la pueda pagar o no la pueda pagar, hace un sacrificio y aunque sea cara la paga”, declara Ricardo Valdéz. El Gerente de Contenidos Audiovisuales considera que a la gente le gusta más ir a ver un show que comprar un disco, debido a que los espectadores le dan más valor al vivo que a lo grabado.

Recitales, gigantes de la música

Avellaneda-Deluca-Casado

El mercado de la música sufrió una fuerte reconfiguración en los últimos años. Hoy no se consume el contenido musical de la misma manera en la que se hacía en otra época. Esto ha cambiado en los últimos años ya que hay una fuerte desaceleración de venta en los soportes físicos y ahora se consume música a través de las plataformas digitales.

Esta digitalización ha puesto en crisis el mercado musical, generando y reforzando otras alternativas para producir ganancias como son los show en vivo. Los recitales son la gran fuente de ingreso para los músicos pero al estar programadas con tanta anticipación, resulta también ser un negocio muy riesgoso.

Por eso, es paradójica la organización de estos espectáculos ya que en una noche se puede perder todo como ganar muchísimo. Los artistas obtienen su principal ingreso a partir de los shows en vivo, ya que la digitalización del formato reformuló toda la industria musical. Hoy los recitales son los gigantes de la música, como nunca antes se ha visto.

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Bibliografía

  1. Diario online Ámbito, Miércoles 11 de septiembre de 2013 http://www.ambito.com/noticia.asp?id=706400
  2. Küng, Lucy, en Strategic Managment in the Media, 2008 http://elblogdeestructuraic.files.wordpress.com/2013/09/kc3bcng-lucy-strategic-management-in-the-media.pdf
  3. Marcelo Ripoll, Algunos secretos de la industria del espectáculo en vivo en Argentina http://mediaandentertainmentobservatory.wordpress.com/2010/04/26/algunos-secretos-de-la-industria-del-espectaculo-en-vivo-en-argentina/
  4. Mario Pergolini, Vorterix Rock https://soundcloud.com/vitocasado/grabaci-n-pergolini
  5. Observatorio de Industrias Creativas http://oic.mdebuenosaires.gov.ar/system/objetos.php?id_prod=506&id_cat=
  6. Observatorio de Industrias Creativas http://oic.mdebuenosaires.gov.ar/system/objetos.php?id_prod=199&id_cat=
  7. Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/Streaming

Amenazas en la Industria de la Música

Bonadeo, Olivera, Román               

En el mundo de la industria musical se pueden encontrar diferentes tipos de amenazas. Amenazas de la que cada uno es parte día a día; tan simples como lo es escuchar música en la comodidad de nuestra casa. La piratería, en la actualidad, es uno de los grandes problemas que la industria debe enfrentar  para que, como artista y productor, continuar en esta industria sea posible sin que los ingresos se vean afectados.

Las compañías musicales tienen tradicionalmente dos fuentes de ingresos, nos informa Lucy Küng: las ventas de CDs y los derechos de autor. Ambos ingresos están directamente relacionados con la distribución de los productos musicales. Las cadenas de ventas por menor, retailing, componen la más tradicional y mayor distribución de música, recaudando alrededor del 40%. Además, algunas compañías como Columbia Records y Sony BMG tienen “record clubs” que venden CDs directamente al público.

Como consecuente de los avances tecnológicos de los últimos años, hubo un fuerte impacto en el paradigma musical provocando cambios profundos en la distribución. Ésta comenzó a realizarse de manera libre y gratuita a través de Internet, ya sea de manera legal como ilegal. La forma ilegal de distribución vía Internet se la conoce por el nombre de piratería. Es uno de sus mayores desafíos que enfrentan los productores de contenidos. Las nuevas tecnologías como YouTube y SoundCloud  son aquellas que nos facilitan éste tipo de descargas gratuitas, fáciles y de gran velocidad dando lugar a la innovación de nuevos tipos de distribución en la industria; por lo que también nuevos tipos de consumos han ido surgiendo en los últimos años.

Entonces, el problema que se presenta aquí es cómo pueden hacer las discográficas con este nuevo sistema; cómo conseguir la atención de su público fanático de la música y que el mismo se transforme en consumidor de forma legal, pagando por los requisitos utilizados y logrando que tanto el artista como la discográfica no se vean perjudicados.

Fuentes:

Küng, Lucy. Strategic Management in the Media. Theory to practice. Londres, Sage, 2008

http://www.alt1040.com/2013/10/pirateria-digital Consultado el 11 de octubre de 2013

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http://www.cronista.com/negocios/Con-nuevos-jugadores-se-calienta-la-guerra-de-la-musica-online-20130925-0007.html Artículo publicado el 25/9/2013 y consultado el 14 de Octubre de 2013.

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http://www.larazon.com.ar/show/mundo-discos_0_504000146.html Artículo publicado el 9/10/2013 y consutlado el 14 de Octubre de 2013.

http://www.larazon.es/detalle_movil/noticias/3961062/cultura+musica/javier-gayoso-si-un-musico-recibe-poco-que Artículo publicado el 14/10/2013 y consultado el 14 de Octubre de 2013.

http://musicians.about.com/od/publishingandroyalties/Publishing_Royalties_and_Copyright_Information.htm Consultado el 10 de octubre de 2013.

http://www.myspace.com Consultado el 11 de octubre de 2013.

http://noticias.terra.com.ar/tecnologia/estudio-concluye-que-la-pirateria-no-afecta-a-la-industria-del-entretenimiento,322338a700a81410VgnVCM10000098cceb0aRCRD.html Artículo publicado el 5/10/2013 y consutlado el 14 de Octubre de 2013.

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