Shows en vivo: un mundo aparte

Bonadeo, Olivera, Román

Juan Pablo Mendoza es uno de los más reconocidos productores técnicos y generales de la industria de los shows en vivo. Fundador y dueño de la empresa “Doble Cinco”, se encarga de producir todos los shows en vivo que se llevan a cabo en el Luna Park y de administrar técnicamente Tecnópolis. Trabaja constantemente en conjunto con productoras del tamaño y la relevancia de Fénix.

Se proclama a sí mismo como un productor “horizontal” que trabaja mano a mano con sus técnicos de audio, vídeo  iluminación, etcétera.  Describe, además, a la industria de los recitales y shows en vivo como una que carece de formación teórica y conocimiento “de manual”. Afirma que la base del éxito en su rubro es la experiencia y la formación en la práctica a través de los años.

La siguiente entrevista tuvo como objetivo principal conocer más de cerca el mundo de los recitales y los shows en vivo. Es un área que entra dentro de la industria de la música, pero de la cual no hay tanta información teórica disponible, sino que más bien, como entendimos durante el encuentro, es algo que se aprende con la práctica. Nos concentramos en averiguar principalmente el proceso de producción de un recital, desde el inicio, el concepto, la idea, hasta el final, la transformación en algo tangible.

Luego de un recorrido por uno de los teatros más conocidos del país, el Luna Park, pudimos ver más de cerca el proceso de producción técnica de un show de la magnitud como el que presentaría horas después el artista Miguel Mateos. Comprendimos que detrás de tanta organización y la vasta cantidad de procesos que deben desarrollar los productores, se esconde la simplicidad en lo que se basa todo: “bajar a tierra el concepto del artista”.

 ¿Cómo comienza el proceso de producción de un recital?

El proceso de producción tiene distintas facetas o aristas. Vos tenés dos lugares básicos desde donde trabajar: el primero es recibir al artista, internacional, nacional o lo que fuera, que ya tiene su show armado.  Hay que recibir el “rider” técnico donde ya están las indicaciones del escenario, tarima, iluminación, camarines, pasajes, hoteles viáticos y ocuparse de ese proceso y conducir la producción. El segundo espacio es en el que se trabaja con el artista directamente. Eso lo hice mucho tiempo y es lo que más me gustó porque es más “creativa” si querés decirlo así. Es lo que sería el manager de producción y se trabaja con un único artista. Entonces el artista graba un disco con un concepto. Ese concepto después se transforma en un show.

¿Vos te ocupas de transformar el concepto en el show?

Claro, pero yo soy de los productores que son más horizontales para trabajar. Hay distintas formas de trabajar. Yo me apoyo mucho y trabajamos en conjunto con mi iluminador, obviamente en mi gente de video, mi gente de audio y sobre todo en lo que dice el artista que es el de arriba y el que quiere el recital. Nuestro trabajo es más decodificar lo que quiere el artista, llevarlo a cabo, que sea viable (porque a veces lo que piden es inviable). Igualmente la viabilidad siempre tiene que ver con una cuestión de negocios, una ecuación básica determinada por el dinero, porque hacerse se puede hacer todo. Ahora, si uno no tiene la plata para hacerlo ni los medios no se puede.

Concretamente, ¿cúales vendrían a ser las etapas el de producción del show?

Primero me llega lo que quiere el artista, el “rider”, después lo bajamos a tierra. Las cosas (tarimas, pantallas, luces, etc.) se montan generalmente dos días antes, el día anterior al show hacemos las pruebas y llega el día del show y listo.

¿Hay algún momento en el que te planteás la decisión de hacerlo o no?

Sí, tomas de decisiones tenés continuas. Y más cuando vas de gira. Porque por ejemplo, un artista puede pedir veinte Coca Colas, veinte medialunas saladas y veinte sándwiches de jamón y queso en Perú o en Ecuador (para que te hagas una idea, vendrían a ser luces y cosas más de producción técnica). Y yo no tengo Coca Cola, tengo Pepsi, no tengo de jamón y queso, tengo de crudo y queso, y vos como artista tenés que ver si eso que te ofrecemos es viable para hacer tu show. Siempre tratamos de hacerlo viable, aunque lo económico siempre está de por medio. Si esos elementos necesarios para hacer el show no están en el lugar de origen, en el país donde se está, hay que ir a buscarlos a otro lado y eso implica más costos de traslado. Entonces lo que tratamos personalmente como productores es que convivan y congenien todas las partes, que sea un buen negocio para todos.

¿Y el presupuesto de dónde viene? De la productora ejecutiva que los contrata, de los artistas, de los auspiciantes…

Viene de la productora ejecutiva, por ejemplo Fénix  Si el artista sale cien mil dólares, más llevar a cabo el “rider” técnico, más seguridad, es lo mismo. A nosotros la productora nos da el dinero que necesitamos para llevar a cabo todo.

¿Qué viene escrito específicamente en el “rider”?

Por ejemplo el que hice con Diego Torres en el “unplugged”, tenía 40 páginas donde dice todo lo que se necesita para el show. Ahí está claramente lo que se necesita de la productora técnica. Desde los matafuegos, los lugares que se necesitan, las medidas de escenario, las alturas, el peso que tienen que soportar las estructuras, transporte, hasta hoteles y pasajes de avión.

¿Están preparados para cualquier inconveniente? Por ejemplo problemas climáticos o con el artista…

No, si al artista le agarra un raye a mí no me importa. Y con el clima depende; depende si es un show “outdoor” o “indoor”. Igual lo más normal es que no se suspenda el show, es difícil, tiene que venirse abajo el mundo para eso. Pero si por ejemplo se rompen ciertas luces, no las usamos y listo, nada se suspende. El show lo hacemos, porque siempre también está la variable económica; cambiarlo de día significa otro día de trabajo de ochenta personas, etcétera.

¿Han hecho festivales o fiestas?

La Creamfields la hicimos nosotros.

¡Ah! ¿Hay diferencia entonces con que sea un único artista a que sean varios como en festivales musicales como la Creamfields?

Lo que cambia en este caso. Son los recursos humanos, la cantidad de gente que movilizamos y al artista que transportamos con la plataforma que necesita.

Pero por ejemplo para fiestas grandes como la Creamfields cambia porque son variedad de artistas ¿no te lleva más tiempo?

Sí. Pero no por los artistas, es más tiempo de montaje, porque tenes distintos escenarios

¿Cuáles fueron este año las producciones más importantes que hicieron?

Es que hicimos demasiados y de distintos tipos. Porque nosotros no hacemos únicamente música digamos. Es todo lo que sea con video, sonido y luces. Por ejemplo el bicentenario lo hicimos nosotros. Y todos sean distintos.

Cuando trabajabas con Diego Torres estabas del otro lado, vos eras el que hablaba con los encargados de la producción técnica, ¿no?

Sí, pero bueno, la producción tiene distintos puntos de vista, distintos focos. A mí me gustaba mucho más ese trabajo, porque ahí estás creando un show. El concepto de show, cómo es que hacemos el show mismo.

¿Cómo fue tu experiencia dese el otro lado con Diego Torres, siendo vos el que pensaba la idea y demás?

Es en conjunto en realidad, como te decía antes. Con los demás encargados y sobre todo con el artista. Fue algo que me gustó.

¿Cómo es el proceso? ¿Diego Torres te decía: “tengo esta idea, este concepto, ¿qué podemos hacer?” y empezaban a trabajar?

Sí, se va armando. Él me va diciendo lo que quiere tener, por ejemplo, “quiero una pantalla de led y me gustaría tener imágenes visuales que vayan con eso”. Después uno empieza a hablar con los encargados de luces, de video, para ver como combinamos para armar lo que el artista pide.

¿Vos armabas lo que ustedes llaman el “rider”?

Yo centralizo la información con la producción local, por ejemplo el que te contrata en Perú, el que compra el show.  Le envío un a un director técnico, la gente, el artista, los músicos, todo lo que necesitamos para armar el show. Lo más importante es  el proceso de preproducción, siempre es así. Esto se debe a que cuando uno pre produce bien, hay menos posibilidades de error.

Javier Castany: “Sabíamos que del choque de esos dos planetas iba a salir algo diferente”

Entrevistados: Castany y Tevah

Entrevistadores:  Daventini,  Corvalán y Bensusan

En una entrevista a Javier Castany y Victor Tevah en el marco del FYMTI  cuentan que el proyecto nació en marzo de 2011 como una co-producción entre de la oficina de Disney Latinoamérica y la oficina de Iberia, que representa a España y a Portugal, pero se expandió al resto de Europa. Aclara que en realidad, la iniciativa de llegar a un proyecto como Violetta partió de una necesidad de Disney Latinoamérica y de Disney Europa, de llevar contenidos de telenovelas producidas en Latinoamérica a esos mercados y de reformatear la telenovela infantil y crear un producto diferente que pudiera llevar la marca Disney

Castany cuenta que  todo se inició a partir de una visita de unos ejecutivos europeos a Buenos Aires. Al visitar Pol-ka, Adrián Suar entró, según Javier “casi de casualidad”, con un proyecto que era una telenovela juvenil. Lo sorpresivo para Castany es que el equipo de Disney había estado hablando de telenovelizar  algún  proyecto que tuviera un universo parecido a un éxito recibido de Estados Unidos que era “High School Musical”. Disney finalmente adquirió la idea original, pero cambiando ciertos rasgos de la tira.

Asegura que en Disney están muy sorprendidos, lo cual es muy importante para ellos como oficina regional ya que es una puerta muy importante para nuevos proyectos. Y nos cuenta que el mercado 360 es una estrategia de Disney para la expansión del negocio, cosa que no habría sido pensado inicialmente porque Violetta se convirtió en una franquicia a partir del éxito que tuvo.

Javier confirma que hay otros proyectos generándose para cuando termine Violetta. Es muy difícil extender la franquicia del producto debido a que Martina está creciendo. Pero confiesan que probablemente el producto llegue hasta la tercera temporada, excepto que esta continúe siendo un éxito como lo es ahora y deban replantearse esta idea. Lo que sí reconocen, es que las historias se agotan, y ellos no quieren ser quienes lo hagan, prefieren retirarse con el éxito que tienen en este momento, y con un buen recuerdo por parte del público.

 

Entrevista completa: https://docs.google.com/file/d/0B6ONPx625vsVMTh3aFhTaGtJM0U/edit

Esteban Sahores: “Netflix es el pasado, presente y futuro”

Viale-Jerbic-Sibeaux

Esteban Sahores, editor de la revista “Haciendo Cine”, nos habla en profundidad acerca de la industria de Netflix; una empresa dedicada a la promoción de vídeos online de forma legal. Nos describe en detalle la industria, sus objetivos, amenazas y conflictos y cómo ha crecido de forma global en los últimos años.

Esteban, nos compara de qué manera Netflix es una industria que amenaza medios como la televisión y el cine, pero que a la vez los complementa, haciendo hincapié en el consumo masivo de “proyección (cine, televisión) online” y describiendo sus comodidades. Él concluye, que en todo caso ahora con Netflix la gente consume más.

“Estoy de acuerdo con el precio de Netflix. Todo lo que sea democratizar la cultura me parece buenísimo” – mencionaba Esteban cuando le preguntamos acerca de los precios anuales de Netflix, haciendo referencia a que el precio de Netflix es razonable y al margen de todos. También nos habla de cómo comenzó a tomar un papel importante en la producción, ejemplificando con una de las series House of Cards, producida por Netflix, y que tuvo un fuerte impacto en los “Emmy Awards” y en millones de seguidores. Según él, gracias a dicha producción se sumaron una cantidad significante de abonados.

Finalmente, nos habla de los acuerdos con Marvel y Dreamworks Studios, de su contratación por 400 horas anuales, y de cómo esta alianza genera un crecimiento contundente para el futuro de una empresa global.

ENTREVISTA COMPLETA:

Constanza Sanz Palacios: “Internet es un pandemónium donde todo puede suceder”

Por Enrico, Lix Klett y Pekolj

La industria de cortos publicitarios se encuentra en un proceso de crecimiento en la Argentina según la conclusión a la que llegó la productora y directora Constanza Saez Palacios luego de su participación el pasado abril de 2013 en el BAFICI, de que . Ahora los canales digitales están comprando cortos y los distribuidores se están interesando en ellos. Algo que llama la atención hoy en día es que por un lado hay una gran necesidad de nuevos contenidos para la televisión y por otro lado que se están mejorando los distintos formatos, como por ejemplo los destacados cortos de animación. Cuando se comenzaron a producir los cortometrajes, estos eran una forma de llegar a un producto mayor como puede ser una película. Es decir, era el primer paso de  un realizador o de un productor pero ahora se habla de la existencia de un mercado de cortometraje. Hoy en día, como señala Constanza, en la Argentina se está empezando a hablar del corto como un producto más, está creciendo como un formato comercial. Este un aspecto que en Europa ya está desarrollado, ya que la televisión produce contenidos de cortometraje, documental y animación.

Al preguntarle sobre Internet y la relación que esta plataforma tiene con los cortos, explica que no hay un mercado tan definido para estos, pero que sin duda Internet es un buen soporte para la difusión de este producto. Asegura que es un espacio para diversas y grandes cantidades de contenidos y comenta que según su opinión lo que más funciona además de los cortos son las series de televisión y algunas películas. Según Constanza, Internet no solo presenta la oportunidad de difundir estos contenidos, sino que también presenta un soporte más barato que el de la televisión por ejemplo, donde se cobra por segundo.  Cuando le mencionamos que nos parecía que los cortos no tienen un mercado tan definido, ella nos comentó que si bien no son tan conocidos, los festivales son de suma importancia para alentar la producción de cortos. Sin embargo explica  que para una mayor expansión de estos productos, es necesaria no solo una mayor conexión entre la gente que los produce y la gente que enseña cortometraje, ya que son muchos quienes lo hacen como algo menor, sino también tiene que haber  una necesidad del espectador de ver este tipo de contenidos. Sin embargo remarcó que uno de los canales que se ven hoy en día, Isat, ya compra cortos y los expone; es de los pocos canales que funciona de esa manera en Argentina. Finalmente, afirma que hay una especie de movimiento que deviene de la necesidad de nuevos contenidos de la televisión para que no sean siempre los mismos. Es por eso que por varios soportes, el cortometraje creció mucho.

Luego le preguntamos sobre como podía definir el proceso anterior a la producción con respecto a los precios, si son fijos o flexibles. Ella respondió que lo que es fijo son los rubros que uno presupuesta, es por eso que los valores cambian muchísimo por diversas razones. El ejemplo que nos dio fue sobre el rubro de la tecnología, explicó que todo lo que es update o actualización de formatos, debido a que está cambiando constantemente de un año al otro, como el tipo de cámaras que uno usa para filmar, hace que los precios vayan variando. Luego referencia al tiempo, dijo que hace diez años atrás, habían cosas que se valoraban más que ahora, o de forma inversa, ya que por ejemplo un buen guionista y el rubro de actores especializados ha cobrado mayor importancia. Antes no había diferencia entre un actor de una publicidad o alguna persona que hiciera algo específico como jumping. Ahora esto está mucho más formalizado en lo que es el gremio de actores. También se refirió a otro factor que influye en los costos, que es la idea. Explica que a veces, todo surge a través de una idea y esta de alguna manera determina qué tipo de inversión va a requerir. Depende mucho de la intención y del mensaje que cada autor quiera transmitir. En base a una idea, el producto puede aumentar o adecuarse a un presupuesto más acotado. Dependerá también de lo que un cliente o el mercado pida.Por último Internet se está explotando como un gran soporte para la publicidad. Esto sucede ya que tiene otra connotación  moral y es un modo más barato en algunas cuestiones, dando un espacio a piezas audiovisuales más extensas. Esto permite que un video viral pueda ser de larga duración y ser efectivo a la vez.  Explica que antes lo tradicional era el segundo en la televisión, en cambio ahora Internet hizo que los valores cambiaran radicalmente. A su vez, el conocimiento de quien maneja la tecnología en web, lo interactivo y el diseño on line, es un rubro más, que antes no existía. La tecnología y el medio en si determinan potencialmente el presupuesto.

Una pregunta que nos pareció súper interesante fue sobre por qué algunas empresas o marcas empezaron a utilizar los cortos publicitarios para promocionar sus productos y dejaron de lado de alguna forma las publicidades tradicionales. Nos contestó que era interesante la pregunta porque ella desde el lado del cine ha visto cortos increíbles encargados a directores de cine sobre publicidad. Por ejemplo lo que hizo la marca Miu Miu que le encargó a una directora general Lucrecia Martel un corto que se llama Muta, y que lo hizo con varias directoras del mundo y funcionó muchísimo. Dijo que cree que por un lado apunta al mercado de Internet, ya que en Internet es más barato tener diez minutos que en la televisión, y por otro lado también cruza dos grandes géneros que son el cine y la publicidad, o sea te permite tener una directora o un director muy prestigioso haciendo un contenido audiovisual para un producto que se prestigia con la cultura. Si bien se siguen haciendo publicidades en televisión o gráficas,  estas cosas hacen que se amplíen los horizontes de la marca, prestigiarse de una manera cultural y además generar como distinto tipo de imágenes, que no sea solo gráfica por ejemplo. Por otro lado los cortos publicitarios sirven para llegar a otro tipo de espectadores, no exclusivamente al que consume, sino a más gente. Porque además también son marcas que tienen distintos niveles de consumidores o de clientes entonces cree que lo que se busca es llegar a todos de distintas maneras, por distintas vías. Por último remarcó nuevamente que lo más importante es la necesidad de prestigiar la marca, que es una necesidad de las marcas más importantes, ya que una marca pequeña que recién comienza o que no tiene tanta historia no tiene tanto esa necesidad, sino más bien tiene que entrar al mercado. En cambio marcas que tienen años en el mercado buscan prestigiarse y mantenerse o sobresalir de otras. Dijo que conoce gente que trabajó en estas producciones y es genial.

Luego le preguntamos cómo describiría ella el proceso de producción, sus diversas etapas y la forma y estilo de trabajar, si es de forma individual o colectiva con equipos de trabajo. Basándose en su experiencia laboral, Constanza como productora de diversos contenidos considera que lo ideal es un trabajo en conjunto y que siempre lo más interesante es cuando uno toma a la iniciativa desde la primera idea. Es el proceso más largo pero a la vez más interesante. Resalta que lo más importante es cómo llevar esas ideas a cabo y encontrar las mejores formas de financiación. Luego explicó que la primera etapa es el desarrollo y desde ahí se empiezan a tomar todas las decisiones. Es el momento en que  uno puede realmente asociarse a la idea y tener cierta incidencia en relación a lo que se necesita para desarrollarla. Y agrega que si uno no está presente en este momento, puede incidir menos en el proceso productivo ya que esta más determinado por las decisiones que ya se tomaron. Para terminar se le preguntó si creía que los creativos están condicionados por el presupuesto que se tiene para el proyecto. Constanza respondió que no considera que los creativos estén determinados. Dice que una buena idea o buen guión no tiene por qué ser caro o barato a priori, hay ideas que desde el comienzo son más caras que otras ya que requieren por ejemplo de muchas locaciones en el mundo, y es por ello que podría requerir un mayor presupuesto. Sin embargo eso no significa que la idea no pueda ser adaptada, manteniendo el espíritu, y volviéndola más accesible económicamente. Es por eso que la etapa de desarrollo es de suma importancia, ya que determina desde y hasta dónde se puede llegar. Al finalizar la entrevista comentó que en la publicidad por ejemplo, desde el momento de brainstorming se plantea hasta dónde se puede escalar y agrega que siempre hay que tener criterios de mínima y de máxima.

Entrevista https://www.youtube.com/watch?v=-SUI91Lbj9Y

José Crettaz: “Creo que deberían sancionarse leyes para fomentar la pauta en algunos medios, como los barriales”

González Ávila, Ines

Ipoutcha, Gerónimo

Maschwitz, Horacio.

La industria de los medios gráficos está dentro de un proceso de cambio. Sus lectores están disminuyendo, sufren presiones sin precedentes del estado y tienen un presupuesto bajísimo. Además, la supervivencia económica depende, en gran medida, de la pauta oficial. Tal es el caso que muchos medios chicos del interior sólo obtienen sus ingresos de esta fuente. Ante estos desafíos, los diarios y revistas se están adaptando de diversas formas. Sin embargo, la nueva ley de medios, está cambiando las reglas de juego, haciéndolos aún más dependientes del Estado. José Crettaz, redactor de La Nación, especializado en la ley de medios, nos cuenta sus opiniones.

José afirma que la nueva ley de medios tiene algunas buenas intenciones como que recoge reclamos legítimos por parte de emisores como ongs, televisión comunitarias, cooperativas de servicios públicos, frecuencias de tv a las provincias y a las universidades y reivindica a los pueblos originarios. Pero agrega que, en suma, la ley es “un desastre”. Por una parte porque ralenta el desarrollo digital y por otra porque perjudica la libertad de prensa. Con respecto a esto último, José Crettaz asegura que “hay una intención de debilitar a los medios por medio de altas regulaciones y achicando su tamaño”. En este sentido, los medios, debilitados, van a tener menos chances de sustentarse sin la ayuda del estado.

José, además, señala que a la hora de contratar espacios publicitarios no hay ninguna ley que los regule. Lo que sí hay recientemente son fallos judiciales con la premisa de que fueron discriminados con el reparto de fondos. Éste es el caso de Diario Perfil, de Grupo Clarín, del Diario de Rio Negro, de Artear y otros casos en el interior como el de Tierra del Fuego. El periodista de La Nación piensa que deberían sancionarse leyes para fomentar la pauta en algunos medios como los diarios barriales. Pero que antes debe darse una discusión con el tema de la pauta. Cuando la justicia le pide al estado que justifique qué criterios aplica para pautar en los diarios nunca lo han podido encontrar. O sea que todos los fallos le han salidos en contra a los medios.

El redactor de La Nación afirma que la Justicia argentina no es garante de la protección de los medios ya que, si bien falló a favor del diario Perfil, éste sigue sin recibir pauta oficial en igual cantidad que su principal competidor, Atlántida Televisa. Crettaz asegura que hay una tendencia del kirchnerismo a favorecer a empresas extranjeras que no tienen secciones orientadas a las noticias, como  Fox. Otra novedad es la maquinaria constructora de relato que está creando el kirchnerismo. Como en el primer peronismo, es la misma estructura que en el presente. Esta denota una clara estrategia para controlar los medios gráficos y audiovisuales, otra para construir una cultura afín (star system oficialista) y además restricciones al acceso de información y condicionamiento desde la pauta oficial. O sea, el “alineate o desaparecé”.  Concluye que esto pasó hace años en Santa Cruz y que hoy ya no tiene medios independientes.

Crettaz concluye mostrando cómo el mapa de diarios del interior cambió “radicalmente” su línea editorial a favor del oficialismo. Agrega que esto se suma a la preocupante transformación que tienen los medios gráficos de todo el mundo. Es decir, que la gente emplea menos tiempo a los diarios y más a las redes sociales.

http://www.youtube.com/watch?v=tiNfAbXxoBU&feature=youtu.be

“La gente le da más valor al vivo que a lo grabado”, afirma Ricardo Valdéz

Entrevistadores: Simón Avellaneda, Belén Deluca y Victoria Casado

Ricardo Valdéz es Gerente de Contenidos Audiovisuales y ha organizado eventos como el Pepsi Music y el Quilmes Rock en la Argentina. También, ha colaborado en la producción de algunos recitales en el exterior. Su punto de vista sobre los shows en vivo es indispensable para comprender mejor cómo es hoy el negocio de la música.

Luego del incidente de Cromañón, las cosas cambiaron ya que la seguridad se reforzó y los lugares clandestinos cerraron. Además, se prohibió en la Argentina la venta de alcohol en los shows. Esto modificó el negocio de los recitales pero aún así permanecieron los estadios y los lugares más grandes para hacer estos espectáculos en vivo.

Por lo general se definen con tiempo los shows en vivo, ya las giras se organizan varios meses antes. Algunos artistas ya se sabe que salen de gira pero no qué productora lo va a traer. Por un lado, los artistas extranjeros vienen a la Argentina cuando tienen mucho éxito en el país. Pero por otro lado, conseguir auspiciantes “es un tema” ya que ahora hay menos sponsors que antes y estos han dejado de invertir luego de la crisis del 2009. Es por tal motivo que las entradas son tan caras.

“La gente no discute la entrada de un show en vivo, la pueda pagar o no la pueda pagar, hace un sacrificio y aunque sea cara la paga”, declara Ricardo Valdéz. El Gerente de Contenidos Audiovisuales considera que a la gente le gusta más ir a ver un show que comprar un disco, debido a que los espectadores le dan más valor al vivo que a lo grabado.

Daniel Benchimol: “El libro tradicional no va a desaparecer”

Entrevista por: Candelaria McLean, Jazmín Avellaneda, Antonella Simes.

Un mismo texto impreso tradicionalmente o digitalizado varía en mucho más que su formato, Daniel Benchimol fundador del grupo 451 (empresa que ofrece servicios a editoriales para que lleven sus productos a formatos digitales), destacó que existen dos pilares diferenciales entre ambos. En primer lugar, el concepto de la reproducción infinita, es decir que al encontrarse en formato digital nunca se agota. Para las editoriales conforma un agregado comercial y para las personas introduce una nueva conducta, ya que el saber que no se agotará les da un margen de compra y elección. El segundo pilar es la disponibilidad mundial del mismo. Un libro digital está disponible en el mismo momento para todo el mundo y sin costos adicionales. El libro impreso tiene un proceso mucho más complejo y costoso en su distribución.

El proceso de digitalización de un libro se destaca por ser un proceso corto y veloz, Daniel Benchimol cuenta que un libro tradicional lleva aproximadamente un día en digitalizarse, excepto los más complejos que llevan como máximo una semana. Asimismo, hay que saber que es un proceso amplio, donde el tipo de libro afecta directamente su producción.

A pesar del crecimiento en auge de las empresas de digitalización de libros, Benchimol reconoce la brecha digital que se dan en el país y la región frente a países más desarrollados. Destaca un importante atraso, el cual lo encuentra ligado a la insuficiencia de dispositivos o su falta de penetración en la región, lo cual lleva a que las editoriales no se animen a publicar sus libros en este nuevo formato. No obstante, aclaró que a pesar de tener siempre un margen de dos o tres años de atraso en cuanto a las nuevas tecnologías, la Argentina tiene una cultura y un consumo muy elevado de libros en la región. Como toda tecnología, el ebook llegará y se integrará igual de rápido que las otras.

El sistema educativo es un condicionante fundamental a la hora de transmitir conocimiento, pero aún no ha logrado adaptarse a las nuevas generaciones. Benchimol, asegura que este sistema no tiene conciencia alguna acerca de la influencia de las nuevas tecnologías, ya que preparan a los estudiantes para un mundo que existía hace 20 años y no para el que sucederá en 20 años, es decir que no los prepara para el futuro. Sin embargo, reconoce que implicaría un cambio total en el paradigma educativo con mucha preparación docente.

En cuanto a la desaparición del libro tradicional (papel) Daniel Benchimol no cree que esto suceda porque hay muchos lectores que no van a  querer transitar ese cambio. Está muy ligada a la sociedad, y por eso es muy difícil que se traduzca en la desaparición completa del formato. Cuando las nuevas generaciones crezcan va a tener poco sentido seguir haciéndolo en papel, como paso con la música que la gente consume por otros espacios. Imaginando el futuro, el libro en papel va a quedar destinado a un nicho en donde en determinados rubros va a ser muy fuerte, tiene un valor como unidad que no lo tiene el digital. En algunos la materialidad es muy importante y es difícil de atravesarlo a lo digital, como libros de arte o de fotografía, o inclusive de niños que tienen una morfología que no se puede pasar a digital.